PASSIONEER 

七五三の着物を染め直し、仕立て直した。七歳のときの蝶が、今も舞っている。 私の七五三。この白い着物が、やがて深い紫へと生まれ変わる。蝶の柄は、そのまま次の命へ。 　和服が仕立て直し前提の衣服であることは周知の事実です。 和裁用の針はこと更に細く、ミシンの針穴とは異なり、解いて洗うと針穴がふさがります。元の反物に戻ります。よって、新たなものに仕立て直しが可能です。 着物とはかくもサステナブルな衣服です。 　着丈が将来のばせるように内揚げをたっぷりとる。 更に子供用には肩上げ、腰上げと、成長に合わせて長さを調節できるように工夫をします。年齢とともにお仕立て方法もかわります。 　では、切られなくなった着物を一体どのようなものに変えられるかをお話します。 ひとつの反物を一生の伴侶にする。 　振り袖を留袖や訪問着に。 これは一般的によく知られています。 他に長襦袢、羽織やコート、帯へ。 道行は最終形のため、道行から羽織にはできません。 生地により向かないものもあります。 　長襦袢は羽裏に。2部式に変えて、羽裏とオソロイなんてゆうのも、お洒落です。...

縫い糸を解いて洗い張りし、再び一枚の反物の姿へと蘇った絹布 和裁が「手縫い」である、唯一無二の理由 和裁は、最初から「仕立て直し」を前提とした衣服です。 ミシンで縫えば、布に針跡が残り、解いた時にその傷は消えません。だからこそ、和裁の針は極限まで細く、しつけ糸さえも洋裁用に比べて繊細です。道具のすべてが、洋裁とは根本から異なります。 「布を傷つけず、再び反物の形に戻せるように縫う」。この思想こそが、仕立て直しを可能にしているのです。 1300年続く、生きたオートクチュール 反物から一人ひとりの体に合わせ、一針ずつ命を吹き込む。この技術は1300年以上前から続く、完成されたオートクチュールです。 今、本場フランスの名だたるメゾンでさえ、オートクチュール部門は既製服（プレタポルテ）の波に押され、その存続が危ぶまれています。しかし、和裁の世界はどうでしょう。 反物から仕立てる文化が続く限り、日本のオートクチュールは決して消えることのない、世界に類を見ない強固な技術なのです。 仕立て直しの出発点となる美しい絹の反物 「安さ」と「スピード」が奪う、衣服の未

緋袴は名古屋帯となり、今もAkikoの腰に巻かれる。祖母から母へ、そして私へ。 この緋色の帯は曾祖母の緋袴を仕立て直したものであり、今も健在だ。 祖母から母へ、そして私の手元に来たときは母の名古屋帯になっていた。祖母が母のために名古屋帯に仕立て直したらしい。 体格のいいわたしには少々短いが背中に手が回る限り締められそうだ。 　この宮中で穿く女性用の袴、実は世界に類を見ない仕立て方から成り立っている。緋袴の色に目を奪われて仕立て方までなかなか思いが行きつかないかもしれないが、紐解くとそれはそれは摩訶不思議な仕立て方法になっている。 　正式には長袴と呼ばれる。それまでは足首までだった袴が、奈良時代からの石畳の立礼から寝殿造りの座礼に変化したのが影響していると考えられる。 構成は長方形襠布を用いた特殊なもので、その縫製は女袴の他には見られない。材料は主に紅の平絹。あるいは綾だが、曾祖母の袴は平織だ。 引きずって歩いたり、畳の上で擦れたりすることが考慮されているのだろう、非常にしっかりとした密度の高い平絹である。 滑らないので帯として締めるには非常にいい

曾祖父母の参列時の服装 1928年、昭和天皇即位の礼のおりの写真。曾祖父母が宮中に参列したときの写真。 このころはまだ京都でおこなわれたらしい。その前の大正天皇即位の礼はなんと、二条城も関連の場として使われたらしい。昭和天皇のときは京都御所（紫宸殿）で執り行われ、２日に渡って饗宴が行われたとか。曾祖父母はこのお式に参列。 掌に残された宮中の記憶——昭和御大典とボンボニエール 衣装は当時の京都大丸に特注。曾祖母はどうしていいやら全く分からないから、当時曽祖父の副官についていたオヤマ氏が全てをとりしきったらしい。おすべらかしも曾祖母の自前の髪。どんなところで結ってもらったのだろう。 日本では大正期から昭和初期にかけて、宮中でボンボニエールをお土産として配ることが通例となり、一応相見積もりさせていろいろなところから仕入れている。 曾祖父母が受け取ったものがどこでつくられたものかはわからないけれど、華族たちが手にしていたものとはやはり作りが異なるかと思われる。 資料を調べると、大饗宴で銀製のモノが配られていることがわかるのだが、曾祖父母がいただいたものは

1928年、昭和天皇御大典。曾祖母はしきたりに則り小袿姿で参列した。この衣装が、100年の旅を始める。 1928年、昭和天皇御大典に参列した際の曾祖父母の写真。曾祖母は宮中参列のしきたりに則り小袿（こうちぎ）姿で参列。嫁として嫁いだ祖母は、なんと戦後の食糧不足の時期にもこの衣装だけは売らずに手元に残した。姑が生きていたからという理由があるだろうが、それにしても誉だったことがよくわかる。 1958年、曾祖母の孫にあたる私の母が嫁ぐことが決まる。祖母はなんと、この小袿一式を嫁入り道具のひとつとして自ら布団に仕立てた。小袿だから何枚も重ね着をしているのだがそれらをすべて解き、一枚の布に戻した。これも和裁のなせる技。解いて仕立て直しができる。着物ではなく、布団に！祖母は嫁ぐ娘のために布団をこしらえ娘に持たせた。ところが。父と母はこの布団で寝ることはなかった。農家出身の父が、おそれおおいと嫌がったらしい。かくして、布団に変わった小袿は押し入れの奥で長い長い眠りにつく。70年を超す長い長い眠りから目覚めた眠り姫は、今度は異なる相手のために美しさを見せることに

解いて、広げて、時間をかけて考える。誰の袖を通るのか。９０歳になった母のもとへ帰るのか。 １９５０年代の母の振袖を２０１０年代に娘の成人式の着物にするため染め変えた。深い深い海の底の色にしたため、金彩のみが浮きだった。神秘的な外見が、娘の未知なる未来を暗示するかのようで、不安や好奇心をかきたてた。 その、染め変えた振袖ももう、着られなくなった。そう、着物は姿かたちをその時々で変えて生まれ変わる。直線裁ちだからこそできる生地の生命。絶えることのない命。着物はただ保管して１００年生きるのではない。姿を変えて我々の前に現れる。１００年前には想像もしなかったであろう姿になることもある。 娘は振袖はもう着られない。着物には、伝統的な規則がある。この神秘的な深い青をどう活かすべきか。解いて、広げて、時間をかけて考える。 誰の袖を通るのか。９０歳になった母のもとへ帰るのか。 ハサミを入れるのはまだ先だ。 そしてもう一枚。赤い小紋も、その役目を終えようとしている。 さあ、この子はどんな形になり、どこへお嫁に行くのやら。 冬は終わりではない。次の命への静かな準備.

手描きの金彩が白地の宮殿をきらめかせていた——絹に織り込まれたバロックの輝き。 母の成人式の写真 このころはロココ調やらバロック調が着物業界で流行っていたらしい。 戦後の復興、追いつけ、追い越せの風潮と西洋へのとてつもない憧れがデザインに現れている。 母の成人式の着物は白地にエンタシスの柱、宮殿が鮮やかに描かれていたらしい。そして手描きの金彩がふんだんに使われ、宮殿がよりいっそうきらびやかに輝く。 母はその着物で父とのお見合いにでかけ、結婚式でお色直しにこの着物に袖を通した。 春の宴のように華やいだその日、白地の宮殿はひときわ輝いていたに違いない。 いうなれば、父との出会いを一緒に潜り抜けてきた相棒である。 着物は洋装と違い、年と共に色や柄に制限がかかる。 最近は洋服文化が浸透し派手な色目の着物をきることも可能になってきたが、さすがに成人式の振袖を６０歳で着ることははばかれる。かといって、捨てるにはおしい。 母の人生を一緒に歩んできた時間の証言者なのだから。 和服は仕立て直しが前提の衣類である。 この大前提の掟にのっとり、わたしは娘の成人式の着物

強撚糸で織られた一越縮緬のシボ。着物の動きとともに美しいドレープを生む。 世界のファッションデザイナーはシルククレープをよく使う。しかし日本の縮緬はほとんど使われない。なぜだろうか。 その理由は単純だ。 縮緬は着物という構造のために設計された布だからである。 まず知ってほしいのは、着物の生地である反物の幅だ。反物の幅は約38cm。この幅がまず世界基準を満たさない大きな理由である。 生地の幅が38cmしかないとなると、洋服のような立体裁断やバイアス利用を考えるとそもそも難しい。これがまず着物の生地が洋服に使われない大きな理由のひとつだ。 現代の着物でよく問題になるのが裄の長さである。昨今は日本人も体格が大きくなり、若い世代は腕も長い。そうすると、反物の幅が38cmしかない場合、同じ地の目で袖を作ることが難しくなる。 西洋服 着物・縮緬 広幅生地（120〜150cm） 反物（約38cm） 立体裁断 直線裁ち 重力で生まれるドレープ 動きで生まれるドレープ 安定した織物構造 強撚糸によるシボ 洋服のように生地を横にして使えばいいのでは、と簡単に思われる

自ートには、和裁の技術がふんだんに用いられている。実際に着物を着なくても、着物を仕立てる技術を身にまとうことは可能である。このコートは、そのことを物語っている。 表地に用いたのは置賜紬。紬は先染めの糸で織られるため表裏の区別がなく、単衣のコートには理想的な素材である。多少の雨に濡れても染みになりにくく、縮むこともない。 単衣のコートとして成立させるためには、裾に広がりが必要になる。洋服であればAラインに裁断するところだが、着物は直線裁ちで仕立てられるため、その方法は取らない。代わりに「まち」を入れて裾の広がりをつくる。 さらに、長い着丈を落ち着かせるため、裾には真綿を入れている。現在では本物の真綿を用いることは少なく、羽二重やさらしを薄く挟む程度の仕立てがほとんどである。しかしこのJFKコートには、真綿をたっぷりと詰めてある。裾を軽くつまむと、そのふっくらとした感触がはっきりとわかる。 張りのある紬の生地の中に、ふんわりとした柔らかさが潜んでいる。空気を含んだ真綿が長い着丈を静かに落ち着かせ、歩くたびに裾が風に揺れる。 まるで着物のように。 なん

衣服の境界が閉じられた瞬間、存在が始まる。 　衣服は、裁断された瞬間に生まれるのではない。縫われた瞬間でもない。形になったときでさえ、それはまだ完全には存在していない。 衣服が存在を始めるのは、動き出すことが可能になった瞬間である。 和裁において、その境界を決定する工程のひとつが「フキ出し」である。表地と裏地を合わせ、縁をわずかに調整しながら、針を進めてゆく。 このとき行われているのは単なる始末ではない。それは、二つの層が互いの位置を受け入れ、衣服としての輪郭を確定する作業である。 この工程によって、衣服の動きは決定される。 針は布を貫通するが、破壊はしない。絹糸は布を固定するが、拘束はしない。 すべては、将来解かれることを前提として行われている。 和裁の縫いは、常に可逆性を内包している。それゆえ、この瞬間は完成ではなく、存在の開始である。 フキに詰められるのは真綿である。繭玉をひとつひとつ手作業で広げ、一枚の層へとする。それを細く伸ばし、裾の内部に均等に置いてゆく。 真綿は空気を含み、呼吸する素材である。重さを支えると同時に、動きを妨げない。.

直線裁ちは、解体と再生を可能にする構造として2000年続いている。 和服は仕立て直しが前提の衣服である。家族が多かった時代、子供が成長すれば着物は解かれ、洗われ、再び仕立て直された。袖が傷めば、その部分を外し、別の布を組み合わせ、新たな衣服として生まれ変わる。この相互関係を延々と繋ぎ続ける構造こそが、直線裁の本質である。和裁の世界では繰り回しと呼ばれるこの営みは、限られた資源の中で絹という貴重な素材を慈しみ、継承するための合理的な方法であった。 直線裁の着物は、8枚の布から構成されている。これらの布は解いて洗うことで、再び元の反物の形へ戻ることができる。つまり、着物は完成された最終形ではなく、常に再構築される可能性を内包した構造体なのである。これは紬に限らず、柔らかものと呼ばれる染めの着物にも共通する。元来、着物は水洗いが可能であり、仕立て直しを繰り返すことを前提として存在している。 直線裁が2000年近く維持されてきた理由は、単なる伝統の継承ではない。それは合理性の結果である。反物という規格化された布を無駄なく使用し、誰の身体にも適応し、そして

市川純、2026年冬季オリンピック閉会式にて。1970年代着物を再構築したドレス。 2026年冬季オリンピック閉会式。イタリアで活動する俳優 市川純 が登場した。 彼女が纏っていたのは、1970年代の布を再構築したピンクと黒のドレスだった。 それは単なる「リメイク」ではない。それは、構造の転換である。 着物は本来、平面裁断で構成される。布は身体に合わせて裁断されるのではなく、身体が布に合わせて調整される。 しかし今回のドレスは、立体として再構築されている。身体に沿い、動きに呼応し、舞台空間に対して拡張していた。 ここで起きているのは、「保存」と「破壊」の同時進行である。 1970年代の布は記憶を保持している。しかしその構造は変形している。 包む構造（containment）と解放する構造（release）が同時に存在していた。 それは、蝶々夫人 が象徴してきた「東洋」という固定像を、内側から再編集する試みにも見える。 オリンピックという国際舞台において、着物は民族衣装として消費されることが多い。 だがこのドレスは違った。 それは文化の展示ではなく

祖母が日常着として着ていた有松鳴海絞りの浴衣。洗われながら時間を残している。 昭和初期、祖母が着ていた浴衣。明治初期以降、化学染料が広く普及し、本藍のように手間のかかる染めは急速に姿を消していった。この一枚も例外ではない。化学染料による濃紺。お出かけ着ではなく、常着。祖母は湯上がりに袖を通していた。 襟まわりには、今では考えられないほど厚い晒の汗取り。まさに生活の一部だった。 木綿の浴衣が庶民に広く行き渡ったのは江戸時代後期。木綿と藍は抜群に相性がよく、丈夫で洗えて、夏に適していた。絹は夢の衣服。庶民にとっては麻か木綿。その木綿に「絞り」という技術を加えることで、手間をかけたという誇りと、美しさと、機能性を同時に手に入れた。 なぜ浴衣になると絞りなのか。 代表格は有松鳴海の絞り。江戸時代、街道を行き交う旅人に豆絞りの手拭いを売ったことが始まりとされる。老舗の竹田嘉兵衛商店には、徳川家茂が、妻である和宮への土産として求めたという記録も残る。絞りという技法自体は、はるか古代、大和の時代から続く技術である。 絞りの浴衣を着ると、肌に凹凸を感じる。布と体

緋色は老いない。 かたちを変えて、時間だけが残る。 曾祖母が宮中ではいていた緋色の袴。今は帯になっている。若すぎるこの色。 この緋色は曾祖母の生きた証。次の世代へ渡す時がくる。

解いてもなお、時間は残る。誰かに大切にされてきた衣服は、次の行き先を静かに待っている。 　連れ合いが亡くなったからと着物を数点いただいた。どれもこれも、みな、袖を通して可愛がった痕跡がある子たちばかり。愛されていたことがよくわかる。 自分で袖を通して楽しむこともある。お嫁にだすこともある。 薄物の一つ紋。色味も考えると格が高い。 そんじょそこらに、嫁がせられない。 この子が一番幸せになれる場所を探す。

解いたら消えてしまう、先人の手仕事。 　茶色の真綿紬。伏見家のお針子が自分の息子のために縫った普段着。けっしていいものではないけれど、昔の手仕事がすぐにわかる丁寧な紬、そしてなにより、皇室で働いた女性の手仕事がわかる、貴重な一枚。 　母の友人がわたしの息子にと譲ってくださった。母の友人のお母様がお針子その人だ。 そんな形見のようなたいせつなものをいただくのは気が引けるものの、手仕事をこの目でみたいという、魅惑に勝てなかった。ありがたく頂戴した。 ああ、こんなところも一針入れるものか。 ここで固く結ぶのか。 　我が息子に仕立て直して着せることもできるが。 ここは、わたしの教本として残そう。 解いたら消えてしまう、先人の手仕事。

衣服の構造は、見た目よりも先に、考え方を表す。 和裁とは、着物とは、仕立て直しを前提とした衣服である。 最初から「一度きり」を想定していない。その思想が、構造のすべてに組み込まれている。 　ミシンで縫わない理由は、懐古でも、手仕事礼賛でもない。針目を残さないためである。絹針と手縫い針で入れられた縫い目は、解いて洗うと、不思議なほど跡を残さない。布は元の状態に近づき、繊維は静かに塞がる。 だからこそ、異なる身体、異なる時代に合わせて、再び仕立て直すことができる。同じ布が、別の寸法を受け入れる。その余地を最初から失っていない。 多くの衣服は、完成形を目標に設計される。最終的にどう見えるか、どう見せるかが先にあり、そのために布が切られる。一方で、和裁の構造は逆を向いている。布がまず存在し、その布が、何度関係を結び直せるかが考えられる。 　直線で裁たれた布は、身体の曲線を固定しない。歩くとき、座るとき、年月を経たとき。布はその都度、別の位置に落ち着く。その柔軟さは、未完成さではなく、時間を受け入れるための構造である。 　親の着物に手を入れるとき、向き合う

passioneerのダスターコート・プロジェクト、始動。最初のキット「宵闇」がフランスへ。手縫いの静寂を、あなたに。 「宵闇」という名の静寂を、フランスへ送りました。 これは単なるキットではありません。全10着のダスターコートへと続く、物語の最初の断片です。 大島紬の深い黒に針を通すとき、わたしたちは自分自身を取り戻す「時間」を縫い合わせることになります。

「フキ」は命の身代わり。擦り切れるたびに命を吹き込み、100年の時を繋ぐ。 なぜ私たちは隠されたディテールにこだわるのでしょうか？ 大谷翔平選手は、スーツの裏地にデコピンの絵を隠したことで有名です。これは私たち日本人の「裏まさり」（隠れた贅沢）の精神です。 最新作「錦繍」には、さらに深い秘密が隠されています。この着物は、もともと伏見宮に仕えていたお針子の名人によって自分の息子のために仕立てられたものです。縫い目一つ一つに、子供の長寿を願う彼女の祈りが込められています。 裾の「紅吹」こそが、この伝統の核心です。それは装飾ではなく、身を守る盾です。和裁の伝統において、この縁飾りは1世紀の間に4回交換することが可能であり（表裏、上下）、これにより、着物自体が孫の代まで受け継がれることになります。あなたはコートを買うのではなく、1世紀にわたる静寂と献身を手に入れるのです。

　今年最後の着物として、華やかな訪問着を選びました。この訪問着は、冬の美しさと日本の伝統を感じさせる一枚で、雪景色と大名行列が描かれています。 色とりどりの冬の風景の色合いは淡いグレーで、全体の印象は非常に清楚です。しかし、裾には繊細な雪景色が描かれており、主役は大名行列です。