PASSIONEER 

強撚糸で織られた一越縮緬のシボ。着物の動きとともに美しいドレープを生む。 世界のファッションデザイナーはシルククレープをよく使う。しかし日本の縮緬はほとんど使われない。なぜだろうか。 その理由は単純だ。 縮緬は着物という構造のために設計された布だからである。 まず知ってほしいのは、着物の生地である反物の幅だ。反物の幅は約38cm。この幅がまず世界基準を満たさない大きな理由である。 生地の幅が38cmしかないとなると、洋服のような立体裁断やバイアス利用を考えるとそもそも難しい。これがまず着物の生地が洋服に使われない大きな理由のひとつだ。 現代の着物でよく問題になるのが裄の長さである。昨今は日本人も体格が大きくなり、若い世代は腕も長い。そうすると、反物の幅が38cmしかない場合、同じ地の目で袖を作ることが難しくなる。 西洋服 着物・縮緬 広幅生地（120〜150cm） 反物（約38cm） 立体裁断 直線裁ち 重力で生まれるドレープ 動きで生まれるドレープ 安定した織物構造 強撚糸によるシボ 洋服のように生地を横にして使えばいいのでは、と簡単に思われる

自ートには、和裁の技術がふんだんに用いられている。実際に着物を着なくても、着物を仕立てる技術を身にまとうことは可能である。このコートは、そのことを物語っている。 表地に用いたのは置賜紬。紬は先染めの糸で織られるため表裏の区別がなく、単衣のコートには理想的な素材である。多少の雨に濡れても染みになりにくく、縮むこともない。 単衣のコートとして成立させるためには、裾に広がりが必要になる。洋服であればAラインに裁断するところだが、着物は直線裁ちで仕立てられるため、その方法は取らない。代わりに「まち」を入れて裾の広がりをつくる。 さらに、長い着丈を落ち着かせるため、裾には真綿を入れている。現在では本物の真綿を用いることは少なく、羽二重やさらしを薄く挟む程度の仕立てがほとんどである。しかしこのJFKコートには、真綿をたっぷりと詰めてある。裾を軽くつまむと、そのふっくらとした感触がはっきりとわかる。 張りのある紬の生地の中に、ふんわりとした柔らかさが潜んでいる。空気を含んだ真綿が長い着丈を静かに落ち着かせ、歩くたびに裾が風に揺れる。 まるで着物のように。 なん

衣服の境界が閉じられた瞬間、存在が始まる。 　衣服は、裁断された瞬間に生まれるのではない。縫われた瞬間でもない。形になったときでさえ、それはまだ完全には存在していない。 衣服が存在を始めるのは、動き出すことが可能になった瞬間である。 和裁において、その境界を決定する工程のひとつが「フキ出し」である。表地と裏地を合わせ、縁をわずかに調整しながら、針を進めてゆく。 このとき行われているのは単なる始末ではない。それは、二つの層が互いの位置を受け入れ、衣服としての輪郭を確定する作業である。 この工程によって、衣服の動きは決定される。 針は布を貫通するが、破壊はしない。絹糸は布を固定するが、拘束はしない。 すべては、将来解かれることを前提として行われている。 和裁の縫いは、常に可逆性を内包している。それゆえ、この瞬間は完成ではなく、存在の開始である。 フキに詰められるのは真綿である。繭玉をひとつひとつ手作業で広げ、一枚の層へとする。それを細く伸ばし、裾の内部に均等に置いてゆく。 真綿は空気を含み、呼吸する素材である。重さを支えると同時に、動きを妨げない。.

直線裁ちは、解体と再生を可能にする構造として2000年続いている。 和服は仕立て直しが前提の衣服である。家族が多かった時代、子供が成長すれば着物は解かれ、洗われ、再び仕立て直された。袖が傷めば、その部分を外し、別の布を組み合わせ、新たな衣服として生まれ変わる。この相互関係を延々と繋ぎ続ける構造こそが、直線裁の本質である。和裁の世界では繰り回しと呼ばれるこの営みは、限られた資源の中で絹という貴重な素材を慈しみ、継承するための合理的な方法であった。 直線裁の着物は、8枚の布から構成されている。これらの布は解いて洗うことで、再び元の反物の形へ戻ることができる。つまり、着物は完成された最終形ではなく、常に再構築される可能性を内包した構造体なのである。これは紬に限らず、柔らかものと呼ばれる染めの着物にも共通する。元来、着物は水洗いが可能であり、仕立て直しを繰り返すことを前提として存在している。 直線裁が2000年近く維持されてきた理由は、単なる伝統の継承ではない。それは合理性の結果である。反物という規格化された布を無駄なく使用し、誰の身体にも適応し、そして

市川純、2026年冬季オリンピック閉会式にて。1970年代着物を再構築したドレス。 2026年冬季オリンピック閉会式。イタリアで活動する俳優 市川純 が登場した。 彼女が纏っていたのは、1970年代の布を再構築したピンクと黒のドレスだった。 それは単なる「リメイク」ではない。それは、構造の転換である。 着物は本来、平面裁断で構成される。布は身体に合わせて裁断されるのではなく、身体が布に合わせて調整される。 しかし今回のドレスは、立体として再構築されている。身体に沿い、動きに呼応し、舞台空間に対して拡張していた。 ここで起きているのは、「保存」と「破壊」の同時進行である。 1970年代の布は記憶を保持している。しかしその構造は変形している。 包む構造（containment）と解放する構造（release）が同時に存在していた。 それは、蝶々夫人 が象徴してきた「東洋」という固定像を、内側から再編集する試みにも見える。 オリンピックという国際舞台において、着物は民族衣装として消費されることが多い。 だがこのドレスは違った。 それは文化の展示ではなく

祖母が日常着として着ていた有松鳴海絞りの浴衣。洗われながら時間を残している。 昭和初期、祖母が着ていた浴衣。明治初期以降、化学染料が広く普及し、本藍のように手間のかかる染めは急速に姿を消していった。この一枚も例外ではない。化学染料による濃紺。お出かけ着ではなく、常着。祖母は湯上がりに袖を通していた。 襟まわりには、今では考えられないほど厚い晒の汗取り。まさに生活の一部だった。 木綿の浴衣が庶民に広く行き渡ったのは江戸時代後期。木綿と藍は抜群に相性がよく、丈夫で洗えて、夏に適していた。絹は夢の衣服。庶民にとっては麻か木綿。その木綿に「絞り」という技術を加えることで、手間をかけたという誇りと、美しさと、機能性を同時に手に入れた。 なぜ浴衣になると絞りなのか。 代表格は有松鳴海の絞り。江戸時代、街道を行き交う旅人に豆絞りの手拭いを売ったことが始まりとされる。老舗の竹田嘉兵衛商店には、徳川家茂が、妻である和宮への土産として求めたという記録も残る。絞りという技法自体は、はるか古代、大和の時代から続く技術である。 絞りの浴衣を着ると、肌に凹凸を感じる。布と体

緋色は老いない。 かたちを変えて、時間だけが残る。 曾祖母が宮中ではいていた緋色の袴。今は帯になっている。若すぎるこの色。 この緋色は曾祖母の生きた証。次の世代へ渡す時がくる。

解いてもなお、時間は残る。誰かに大切にされてきた衣服は、次の行き先を静かに待っている。 　連れ合いが亡くなったからと着物を数点いただいた。どれもこれも、みな、袖を通して可愛がった痕跡がある子たちばかり。愛されていたことがよくわかる。 自分で袖を通して楽しむこともある。お嫁にだすこともある。 薄物の一つ紋。色味も考えると格が高い。 そんじょそこらに、嫁がせられない。 この子が一番幸せになれる場所を探す。

解いたら消えてしまう、先人の手仕事。 　茶色の真綿紬。伏見家のお針子が自分の息子のために縫った普段着。けっしていいものではないけれど、昔の手仕事がすぐにわかる丁寧な紬、そしてなにより、皇室で働いた女性の手仕事がわかる、貴重な一枚。 　母の友人がわたしの息子にと譲ってくださった。母の友人のお母様がお針子その人だ。 そんな形見のようなたいせつなものをいただくのは気が引けるものの、手仕事をこの目でみたいという、魅惑に勝てなかった。ありがたく頂戴した。 ああ、こんなところも一針入れるものか。 ここで固く結ぶのか。 　我が息子に仕立て直して着せることもできるが。 ここは、わたしの教本として残そう。 解いたら消えてしまう、先人の手仕事。